In this month’s Maker Spotlight, we chatted with Jennifer Lee McLarty (also known as Jennifer Beale) about the stories behind her Newfoundland-inspired patterns, her past life as an atmospheric scientist, and falling in love with simple stockinette all over again.

Tammi launched Yarn & Whiskey in Brooklyn, sewing project bags from the African print fabrics she had spent years collecting. She left her career in Information Technology to make a leap: she enrolled at the Fashion Institute of Technology to earn her BFA in Textile & Surface Design. Today pieced that leave her studio carry her own digitally printed artwork, her product line has grown well past project bags into silk scarves, shirts, crossbody bags, and pouches. Her work pulls from New York City, the African Diaspora, Hip Hop, modern art, vintage clothing, and her travels. She is a maker in every direction: a knitter, a weaver, and a seamstress who turns her own fabric scraps into something new rather than letting anything go to waste. We're so glad to share her story with you. photo credit Clay Williams (@ultraclay on Instagram) Q. You started Yarn & Whiskey by transforming bold and vibrant African print fabrics into project bags while working in Information Technology; since then you've earned your BFA in Textile & Surface Design and your bags and apparel pieces showcase your original textile designs. What was the process like when you decided to be the one creating the prints, not just curating them? And now that your designs are available on everything from scarves to kaftans to non-project bags: what do you look forward to working on next? Going back to school for Textile & Surface Design was born out of a desire to have complete creative control over the canvas of my project bags. The process was completely unlocked for me during a semester at Heriot-Watt University in Scotland. I basically lived in the print lab, peppering the digital fabric technician with questions and diving deep into the chemistry of color fastness and printing methods. It bridged the gap between raw creativity and technical execution. Because I run an intentional, boutique studio, I have the luxury of testing designs and ensuring the print quality is impeccable before anything goes into production. As for what’s next—I am currently redesigning and sourcing for the return of my signature kaftans! They are the ultimate comfort outfit and the perfect dramatic canvas for my prints. I can't wait to bring them back to the shop. Q. Can you walk us through what it looks like to bring one of your textile designs to life from start to finish? We'd love to hear about the full arc: from the initial spark of an idea through research, painting, scanning, color decisions, and finally seeing the printed fabric in your hands for the first time. Are there stages in that process where the design surprises you and becomes something different from what you first imagined? My best work happens when I allow myself total freedom to play. My sketchbooks are a messy, beautiful playground of watercolor, gouache, inks, and random scraps of paper. While my time in design school often emphasized rigid trend reports, I quickly realized my strength lay in trusting my own intuitive vision over standard commercial forecasts. I do utilize trend research for color palettes -- because color is the emotional hook that draws a person in -- but the motifs and stories are entirely my own. When I receive my printed fabric yardage from my suppliers, there are rarely negative surprises. Because I am meticulous about color referencing and work with incredible partners, seeing the final fabric in my hands for the first time is just pure, rewarding validation. Q. When you worked with Toni Lipsey on a custom design for her TL YarnCrafts YarnHive, the process started with Toni's mood board whch lead to your own concept board and visual direction. Your Cozy Canines print worked differently: customers submitted pet photos, voted on the fabric color, and you transformed each animal with your signature styles. What do you look for in a collaboration, and how does working with someone else's vision (or inviting your customers into yours) change what you make? Collaborating is an incredible alchemy when the chemistry is right. Working with Toni Lipsey on the YarnHive design was a dream because she provided a clear emotional mood board, which allowed me the space to interpret it through my own visual lens. With Cozy Canines, the spark hit me in Rome, and inviting my community to submit their own dogs made it a deeply collective piece of art. For me, a successful collaboration requires two things: a resonant theme and mutual respect for medium boundaries. I look for partners who want an organic synergy, not a copyist. If I’m working with a yarn dyer, we need to be equally obsessive about color precision. If I'm working with a knitwear designer, the goal should be to create a cohesive collection where my textiles and their stitches complement each other, rather than trying to literally translate a graphic print into knit stitches. I am interested in creating a dialogue between two different crafts, creating something elevated that neither of us could have made alone.   What we love about Tammi's work is how much care sits behind every piece she makes, long before it reaches anyone's hands. If you want to see her prints for yourself, they're waiting at yarnandwhiskey.com, where the project bags that started it all now keep company with silk scarves and crossbody bags.  You'll find her on Instagram at @YarnAndWhiskey for behind the scenes looks at new fabric designs, mini elephants, and other joyful, colorful moments. Thank you, Tammi, for sharing your story with us.

In this month's Maker Spotlight, we chatted with Sweet Paprika Designs about Canadian wool sourcing, sisterly collaboration, and the classical music behind running a Montreal dye studio.

Meet Laura Nelkin, the knitwear designer and teacher behind Nelkin Designs (and her spicy alter ego, Lola). In this month's Maker Spotlight, Laura opens up about her creative process, the beaded jewelry line she's been building for years, and the Knit For Food Knitathon, the 12-hour fundraiser she founded that has now raised over $2.2 million for hunger relief.

Julie Crawford of Knitted Bliss started with a knitting blog in the early days of the internet -- before Ravelry even existed. Today she designs embroidery kits and stick-and-stitch patterns made specifically for knitted fabrics, and teaches workshops that make the whole thing feel joyful and achievable. We sat down with her to talk process, philosophy, and what keeps her grounded as a maker and small business owner.

Certaines des meilleures idées naissent d’un problème que personne d’autre ne résout. Lorsque Andrea Lui, PT, DPT, OCS, a parcouru des forums de tricot et vu des créateurs se faire dire soit de supporter la douleur, soit de poser complètement leurs aiguilles, elle a su qu’il devait y avoir une meilleure solution. Kinésithérapeute en exercice, titulaire d’un doctorat de l’Institut MGH des professions de santé et d’une certification en kinésithérapie orthopédique, Andrea a directement apporté sa formation clinique à la communauté artisanale, créant The Knitting PT : un lieu dédié à des conseils de mouvement rapides, spécifiques aux créateurs, basés sur une vraie connaissance de l’anatomie et un amour sincère pour l’artisanat. À travers des vidéos courtes, des consultations virtuelles, des cours et son prochain livre Craft Without Pain (disponible en précommande dès maintenant), Andrea a construit quelque chose de discrètement radical — un espace où le soin de soi et la créativité ne sont pas en concurrence, mais profondément et pratiquement liés. Nous sommes ravis qu’elle ait accepté de répondre à quelques-unes de nos questions. Q. Vous êtes kinésithérapeute en exercice et tricoteuse passionnée — y a-t-il eu un moment précis (en clinique ou avec vos propres aiguilles) qui a déclenché The Knitting PT, et qu’espériez-vous que les créateurs ressentent ou comprennent dès le premier jour ? La communauté en ligne a été l’étincelle initiale. J’ai vu des tricoteurs publier en ligne qu’ils ressentaient des douleurs dans les bras ou des engourdissements dans les mains et demander des conseils. Beaucoup des conseils donnés étaient terriblement erronés, allant de « tenir bon » à « arrêter de tricoter ». Je crois en un juste milieu avec mes patients — continuer à faire ce que vous aimez, mais avec des adaptations pendant que votre corps guérit. Q. Vos conseils sont rapides, pratiques et spécifiques aux créateurs : pouvez-vous nous expliquer ce qui se passe en coulisses, depuis un « ouch » courant (comme des épaules tendues ou des poignets douloureux) jusqu’à la vidéo finale — que recherchez-vous, testez-vous et simplifiez-vous ? Je choisis le sujet d’un post soit en fonction des commentaires que je vois en ligne, soit en fonction de ce que mon propre corps ressent. Je réfléchis souvent à comment optimiser mes mouvements quand je tricote ou crée — ce qui déclenche souvent l’idée initiale. Ensuite, je choisis un exercice ou un conseil qui traite ce sujet, et j’essaie généralement d’utiliser quelque chose de nouveau, frais, que je n’ai pas abordé récemment. Quand je filme, je parle librement puis je monte la vidéo en fonction du temps et de ce que je veux mettre en avant. Q. Dans vos consultations, cours et formations, comment rendez-vous le mouvement et le soin de soi accessibles et inclusifs pour différents corps, capacités et niveaux d’expérience — et quel petit changement d’habitude trouvez-vous qui aide la plupart des gens immédiatement ? La chose la plus importante que je dis à mes élèves, c’est que tout mouvement compte. Peu importe s’il s’agit d’un simple roulement d’épaules ou d’un entraînement de 45 minutes — le mouvement est mouvement, et il est plus important de bouger que de s’inquiéter de faire assez. Beaucoup de gens se focalisent sur les détails et pensent que si ce n’est pas un certain nombre de minutes, ça ne compte pas. Il est beaucoup plus facile de construire une habitude positive pas à pas plutôt que de faire un grand saut. Pour rendre les choses inclusives, j’enseigne souvent des exercices réalisables en position assise, et je propose autant de modifications que possible pour tous les niveaux. Q. Quand vous ne donnez pas de cours de bien-être, quel type de tricot (couleurs, textures, techniques ou projets) vous passionne en ce moment — et comment votre communauté en ligne influence-t-elle ce que vous créez et partagez ensuite ? J’adore les couleurs vives et les tons neutres ces derniers temps. J’ai beaucoup d’amis qui filent la laine ou teignent les fils, ce qui m’a inspirée à explorer différentes laines en dehors du mérinos classique. Cette année, je suis aussi en quête de ma recette parfaite pour les chaussettes et l’ajustement du talon ! Q. Pour les créateurs qui veulent continuer à créer pendant des années, y a-t-il de petites habitudes, outils ou changements d’état d’esprit que vous recommanderiez pour soutenir à la fois la créativité et le bien-être ? La meilleure recommandation que je peux donner est d’écouter votre corps. Votre corps sait quand il a besoin d’une pause, et prendre ces courtes pauses aide beaucoup à éviter que l’inconfort ne devienne chronique. Cela vaut aussi pour la créativité ! Je suis coupable de ne pas défaire des projets quand j’ai perdu la passion, mais c’est vraiment un poids en moins quand je vais de l’avant et laisse mon cœur créatif guider mes aiguilles et mes mains. Nous sommes très reconnaissants à Andrea d’avoir pris le temps — et pour ce rappel que prendre soin de son corps et aimer son art ne sont pas incompatibles. Vous pouvez trouver les tutoriels, cours et réservations de consultations virtuelles d’Andrea sur ptandrea.com, et suivre ses contenus de création et de mouvement sur Instagram @theknittingpt. Son livre, Craft Without Pain : Injury Prevention and Self-Care for Knitters and Other Makers, sera publié le 16 juin 2026, et est disponible en précommande dès maintenant partout où les livres sont vendus. Avec amour,